Richard Meier nasceu em Newark, Nova Jersey, em outubro de 1934, em Newark, Nova Jersey. Ele se formou na Cornell University em 1957 com bacharelado em arquitetura e depois trabalhou com uma série de arquitetos, incluindo Skidmore, Owings, Merrill e Marcel Breuer. Ricardo estabeleceu seu própria prática em 1963.
Seus edifícios fazem uso proeminente da cor branca. Sua prática inclui habitações e residências privadas, museus, instalações médicas e de alta tecnologia, edifícios comerciais e grandes comissões cívicas como tribunais e prefeituras nos Estados Unidos e na Europa: Entre seus projetos mais conhecidos estão o High Museum em Atlanta ; o Museu de Artes Decorativas de Frankfurt, na Alemanha; Sede da Televisão Canal+ em Paris; o Seminário Hartford em Connecticut; o Atheneun em New Harmony, Indiana, e o Bronx Developmental Center em Nova York. Todos estes receberam prêmios de honra nacional do American Institute of Architects (AIA).
Em 1984, o Sr. Richard Meier recebeu o Prêmio Pritzker de Arquitetura, considerado a maior homenagem na área e muitas vezes equiparado ao Prêmio Nobel. No mesmo ano, o Sr. Richard Meier foi selecionado arquiteto para a prestigiada comissão para projetar o novo Getty Center de US$ 1 bilhão em Los Angeles, Califórnia.
Richard Meier manteve uma atitude específica e inalterável em relação ao design de edifícios desde o momento em que Richard Meier entrou pela primeira vez na arquitetura. Embora seus projetos posteriores mostrem um refinamento definitivo em relação aos projetos anteriores, Richard Meier claramente criou ambos com base nos mesmos conceitos de design. Com admirável consistência e dedicação, Richard Meier ignorou as tendências da moda da arquitetura moderna e manteve a sua própria filosofia de design. Richard Meier criou uma série de designs impressionantes, mas relacionados. Richard Meier costuma desenhar formas neocorbusianas brancas com painéis esmaltados e vidro.
Essas estruturas costumam brincar com as relações lineares de rampas e corrimãos. Embora todos tenham um visual semelhante, Richard Meier consegue gerar infinitas variações sobre seu tema singular.
Richard Meier, figura principal dos “New York Five”, que na segunda metade da década de 1960 incluía alguns dos líderes do movimento Pós-Moderno – Peter Eisenman, John Hejduk, Michael Graves e Charles Gwathmey, cria projetos com um tema unificado baseado nas crenças neomodernas da arquitetura purista. As peças esculturais brancas de Meier criaram um novo vocabulário de design para a década de 1980.
Os três conceitos mais significativos da obra de Richard Meier são Luz, Cor e Lugar. A sua arquitetura mostra como a geometria simples, a definição de espaços em camadas e os efeitos de luz e sombra lhe permitem criar espaços claros e compreensíveis.
A principal questão que Richard Meier está focando como arquiteto é o que ele chamou de placeness: “O que é que faz de um espaço um lugar”. Segundo Richard Meier existem dez fatores que ligam um edifício ao seu ambiente, um ou mais dos quais devem estar presentes para que um espaço seja um lugar: fatores que causam o Modo de Ser; aquelas que enfatizam a presença do edifício como objeto independente; fatores que enfatizam a presença do edifício no seu ambiente; aquelas que incentivam a fantasia e a brincadeira; fatores que encorajam a exuberância extática; factores que preservam um sentido de mistério e aventura; ingredientes que nos conectam à realidade; aquelas que ligam o edifício ao seu passado; facilitar trocas espontâneas; e afirmar a identidade das pessoas.
Com base em tais definições teóricas, é interessante ver como o espaço é transformado na arquitetura de Richard Meier, de um jogo racional de formas em formas transcendentais e quintessenciais emolduradas e entrelaçadas na paisagem. Principalmente diante de declarações como: “Os lugares são metas ou focos onde vivenciamos os acontecimentos significativos da nossa existência, mas também existem pontos de partida a partir dos quais nos orientamos e tomamos posse do ambiente. Um lugar é algo que evoca em nós uma noção de permanência e estabilidade.”
O Atheneum (1975-1979) é um Centro Turístico e de Informação situado às margens do Rio Wabash, nos arredores da histórica cidade de New Harmony. Aqui, o “senso de lugar” é alcançado através de uma série de experiências visuais, físicas ou psicológicas que gradualmente estabelecem uma relação com o passado, representado pela cidade histórica. Painéis de porcelana, vidro transparente, jogo constante de espessura das paredes, amplitude de vistas, altura das colunas e aberturas que se interligam, criam fachadas dinâmicas que mudam de acordo com a experiência interior e exterior do edifício.
O Seminário de Teologia Hartford (1978-1981) em Connecticut é um edifício relativamente pequeno (3,000 m²), que inclui todas as funções do campus originalmente distribuídas em vários edifícios: igreja, salão de congressos, biblioteca, livraria, salas de aula e administração. Edifício de espiritualidade, os valores e características integrais do espaço e da luz são irradiados sem falsas pretensões. Como instituição religiosa introversiva que também serve a comunidade, o edifício baseia-se numa fina separação entre espaço público e privado.
A luz filtrada, as formas limpas e as texturas expressionistas contribuem com sucesso para dotar uma atmosfera bastante sagrada sem perturbar a virtude da abertura.
O seu branco nunca é branco, pois está sujeito a constantes mudanças através das forças da natureza: o céu, o clima, a vegetação, as nuvens e claro – a luz. Isto é claramente retratado no High Museum of Art de Atlanta (1980-1983) – um projeto que se tornou a marca registrada de Richard Meier em muitos aspectos – uma manifestação clássica de sua profunda lealdade à branquitude. Uma combinação de composições assimétricas de vários tipos de planos e massas baseadas em paredes transparentes retas e curvilíneas formam o exterior do edifício. Seu átrio de entrada, na esquina de um dos quatro grupos, apresenta uma homenagem e um memorando ao museu Guggenheim. No entanto, ao contrário do original, neste museu uma majestosa rampa apenas permite o acesso entre os vários níveis, enquanto as paredes do átrio incluem janelas que permitem uma vista da cidade trazendo luz natural.
A clareza espacial e a diversidade visual criam uma clara hierarquia de espaços, conferindo ao edifício uma expressão “clássica”, apesar da sua aparência assimétrica. A brancura monástica do espaço interior mantém a presença minimalista da arquitetura em relação às exposições, enquanto a luz natural provoca um interior em constante mudança.
O Museu de Artes Decorativas de Frankfurt (1979-1985) é outra manifestação do sentido de ordem histórica de Richard Meier. Aqui, Richard Meier converte a planta de uma Villa Melzer do século XIX num complexo público, reforçando a ligação com o contexto histórico único. Composta por duas grelhas inclinadas, a planta equilibra os desvios do edifício original em relação ao rio.
A escolha do esquema claro e branco de Richard Meier corresponde ao caráter aberto do espaço. No entanto, ao contrário do uso da luz na arquitetura clássica ou renascentista, neste edifício é adotado o esquema de iluminação espiritual de caráter barroco. Aqui, mais uma vez, a iluminação não é percebida apenas como uma ocorrência visual, mas antes como um fenómeno emocional e até espiritual. A luz e a cor não apenas realçam as propriedades estruturais e funcionais do edifício, mas também evocam uma resposta estética, criando uma atmosfera única, que gera emoções positivas. Assim, o diálogo contínuo entre o edifício, o seu ambiente e o seu funcionalismo essencial, adquire um significado didático.
Situado numa colina acima de Santa Monica, Los Angeles, o Paul Getty Center (1984-1997) é a obra mais abrangente de Richard Meier, mas mesmo assim uma prova do declínio final do Pós-Modernismo. No entanto, alguns diriam que este projecto ostensivo recorda a beleza intemporal das villas e jardins italianos do século XVI, talvez da Villa Adriana em Tivoli.
A escolha de materiais de Richard Meier neste complexo é bastante atípica. Embora a estrutura seja clara e decifrável, é complexa em plano e excessivamente rica em textura. O jogo de volumes e proporções, manifestado na cascata de terraços e varandas, no fluxo de rampas, galerias, arcadas e escadas, tecem a interação da natureza e da arquitetura, mas refletem afinidade com a arquitetura clássica.
Assim, pode-se concluir que o Getty Center retrata três pontos-chave que caracterizam a boa arquitetura: interação, consistência e unidade. A qualidade arquitetônica é experimentada quando “a arquitetura pode ser usada por um longo período de tempo, quando envelhece lindamente, é original, compreensível e simples de usar”.
